Propuesta de direccion

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Remake Rumble Fish

Nouvelle Vague (Nueva Ola)

A fines de la década del 50’ surge la nueva ola , un grupo de cineastas que se oponían a la estructura del cine francés que se imponía en ese momento. Vanguardistas que admiran el cine norteamericano, pero se oponen a lo idiologico y se ponen como objetivo, hacen un cine libre, a la hora de expresarse y con las diferentes técnicas en la producción. Un grupo de críticos y escritores de "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine),fundada en 1951 por André Bazin.



Muchos de ellos pasaron de ser Guionistas a Directores, pero sobre todo verdaderos cinéfilos, entre ellos:  François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.
Se analiza la calidad de las películas por la puesta en escena, la articulación  del lenguaje cinematográfico,  se interesan mucho por el relato, importa mucho el movimiento de cámara, angulos,  ejes,  el vestuario , las películas se realizaran con bajo presupuesto, usan cámaras livianas en mano para mayor libertad en los movimientos, tomas largas, montaje discontinuo, con pocos medios técnicos, filmar en ubicaciones naturales y usar luz natural. El sonido también se grababa en vivo en la escena, lo que no era usual en esta época. Los personajes eran extraños, jóvenes,  niños y generalmente eran personas que lidiaban con el caos personal. Los actores podían improvisar los diálogos.
Para ellos solo va a ser valido el cine cuyo directores que sean responsables absolutos, Cine de autor, es quien se convierte en el responsable de toda la película.Uno de los vanguardiastas,  François Truffaut, con su fil los 400 Golpe, una de las primeras obras de la nueva ola,  el nombre de la película refleja lo que vive el protagonista, la cantidad de golpes que la vida le da.

CORRECCIÓN DE COLOR

La corrección de color ha estado reservada durante mucho tiempo a especialistas con plataformas y sistemas de color muy avanzados, complejos y extremadamente caros. Ahora, sin embargo, la edición de vídeo, incluso en calidad HD, está al alcance de prácticamente cualquiera y la mayoría de, por no decir todos, los programas de edición de vídeo del mercado ofrecen alguna herramienta de corrección de color de modo que, sin salir de nuestro programa de edición habitual, podremos hacer algunas correcciones, aunque sean muy básicas.

Por mencionar algunos de los programas de edición más usados y al alcance de prácticamente todo el mundo, podremos manipular el color con las herramientas incluidas de serie en Adobe Premiere, Sony Vegas, Apple Final Cut Pro y Grass Valley Edius.

El proceso de corrección de color pasa, por tres pasos:1. Correcciones Primarias.
2. Correcciones Secundarias.
3. Filtros y efectos para lograr un look determinado

Corecciones primarias

Salvo que durante la grabación se mida correctamente la luz y se ajuste la cámara con precisión, es frecuente que cuando se usan los parámetros automáticos de la cámara encontremos en las imágenes grabadas una exposición incorrecta, imágenes más oscuras o más claras de lo que deberían, o dominantes de color, es decir, una tonalidad que "baña" toda la imagen dándole un aspecto "amarillento", "verdoso", "azulado".

La corrección primaria se encarga de compensar estos fallos básicos y ajustar las imágenes de tal modo que se acerquen lo más posible a la "neutralidad" o, al menos, al aspecto que se supone deberían haber tenido esas imágenes. Este primer paso es esencial, vayamos realizar o no manipulaciones de color posteriores. Es decir. Imaginemos que queremos darle a nuestro vídeo un aspecto tecnológico. En ese caso seguramente querremos que haya una dominante de colores grises y algunos tipos de azules asociados, generalmente, a la tecnología. Si no neutralizamos primero en la grabación original cualquiera que sea la dominante, luego será muy complicado manipular el vídeo para lograr con precisión el tono deseado. La corrección de color es un proceso muy dinámico y cualquier cambio en una gama de colores afecta irremediablemente a las demás. Por ello es fácil tener una sensación de falta de control y sentirse muy perdido al principio si no se cuenta con una buena corrección inicial.

Correcciones secundarias
Las correcciones secundarias, por su parte, afectan únicamente a determinadas zonas de la imagen. Casos típicos serían lograr más luminosidad en las caras de los personajes, darle más intensidad al azul del cielo, ajustar tonos de piel, acentuar o aclarar sombras, etc. Para este tipo de trabajo nuestros mejores aliados serán las máscaras, la herramienta de selección de colores y los trackers.

Las máscaras nos permitirán seleccionar ciertas zonas de la imagen y aplicar los cambios únicamente en esas zonas. Pueden ser máscaras geométricas sencillas, como rectángulos o elipses, o complejas máscaras personalizadas con la forma que queramos. Por la propia idiosincrasia del vídeo, lo habitual será que debamos animar las máscaras mediante keyframes - cuadros de referencia - para que siempre se apliquen a la zona del vídeo que necesitamos aunque esa zona se desplace o mueva en pantalla. Para estos casos contar con un buen tracker en nuestro programa de corrección facilita, y mucho, esta tarea de animación de máscaras. La función del tracker es localizar un punto determinado en la imagen y generar de forma automática keyframes para que sigan a ese punto. Un ejemplo: si queremos darle más luminosidad a la cara de un personaje y éste se mueve por la escena deberemos seleccionar algún punto de la cara como la boca, nariz u ojos para que el programa siga la posición de ese punto en todo momento. Luego hacemos que la máscara siga los puntos de referencia registrados y, de ese modo, la máscara se moverá de forma automática con ese personaje. No todos los programas de edición, sin embargo, ofrecen esta herramienta y, además, únicamente los de más alta gama ofrecen un tracker con una suficiente precisión como para poder confiar en ellos de forma habitual. En la mayoría de programas encontraremos que, a menudo, resulta más rápido generar keyframes a mano que con el tracker ya que únicamente funcionarán correctamente en situaciones de buena iluminación y alto contraste.

Otra alternativa es usar la clásica herramienta del cuentagotas par seleccionar una gama concreta de colores. El caso típico es seleccionar el azul del cielo e intensificarlo. Éste efecto se logra, simplemente, seleccionando el tono azul y aumentamos su saturación o contraste mientras que, paralelamente, se reduce el de los demás elementos.

Filtros y efectos para lograr un look determinado
Las correcciones primarias y secundarias sirven para corregir errores y matizar, sutilmente, las imágenes. Es muy frecuente que tras pasar un buen número de horas trabajando en correcciones primarias y secundarias el cliente, o quien vea el resultado, pregunte "¿Y qué es lo que has hecho? Yo no noto nada..."  Las diferencias únicamente son notables al comparar las imágenes iniciales con el resultado final pero el resultado final, por sí sólo, suele dejar al espectador insatisfecho.
Si además de "bien" queremos que nuestro vídeo destaque, habrá que aplicarle un aspecto, comúnmente llamado "look", que diferencie nuestras imágenes claramente de las de cualquier videocámara doméstica. Ahora bien, con el retoque de color sucede lo mismo que con la banda sonora. Son una ayuda para que el espectador se sumerja en la historia que contamos. El espectador debe notar que nuestras imágenes le atrapan, que se siente cómodo, pero no debería saber realmente por qué. El trabajo del colorista, por tanto, debe pasar tan desapercibido como sea posible y salvo en casos muy justificados la discreción será la mejor arma.

Aplicar looks específicos es, sin duda, la parte más complicada del retoque de color. En primer lugar porque se necesitan tener muy claras las ideas sobre el aspecto deseado; y en segundo lugar porque no siempre resulta sencillo alcanzar ese resultado. El color es, muy dinámico y los cambios son sumativos. Hace falta experimentar mucho y se aprende poco a poco.

La ruedas de colorNuestra principal herramienta de trabajo serán las ruedas de color.

De izquierda a derecha, estas ruedas nos permitirán controlar los tonos oscuros o sombras, los medios y los claros o luces altas. Su funcionamiento es estremadamente simple. Por ejemplo, lo normal en una grabación noctura a la luz de farolas anaranjadas es que, si no se hace un correcto balance de blancos durante la grabación, nuestro vídeo adquiera una clara dominante naranja. Para corregirla, simplemente hemos de desplazar el control de la rueda hacia el color contrario -complementario- del naranja. En este caso el azul. Si la dominante fuera roja entonces la neutralizaríamos añadiendo cian. 

Por simple que pueda parecer, esto es lo único que se hace en la corrección de color. Equilibrar añadiendo colores complementarios para compensar. La dificultad está, evidentemente, en saber añadir el tono justo, en la cantidad justa y que afecte únicamente a las zonas que queremos.

Poètica de Jim Jarsmusch

   Poética de Jim Jarsmusch

James R. "Jim" Jarmusch nació en Cuyahoga Falls, Akron, Ohio (22 de enero de 1953) un cineasta que describe sus películas como productos artesanales:



Me enferma la palabra “independiente”. Cada vez que escucho adjetivos como “caprichoso” o “arriesgado” saco mi revólver. Esas palabras se han convertido en etiquetas que le colocan a los productos para poder venderlos. Todo aquel que hace la película que quiere hacer, y que no es definida por el análisis de mercado, es entonces “independiente”. Mis películas son hechas a mano. No son pulidas. Como si hubieran sido hechas en un garaje. Son, de alguna manera, productos artesanales.                            Jim Jarmusch

Sus películas utilizan un ritmo bastante tranquilo, evita las estructuras narrativas tradicionales. Las historias se dan en abandonados ambientes urbanos. Le da más lugar al desarrollo de los personajes que generalmente son ni héroes ni anti-héroes  no tienen moral son solitarios, desconocidos y perdidos en su entorno, los protagonistas van de un lugar a otro en un viaje que es tanto búsqueda como huida. Personajes que observan hacia adentro generando un viaje en su interior, recorridas por ríos oníricos junto con la ayuda de lo espiritual, utilizando lo chamánico.
Generalmente utiliza extensas escenas silenciosas y prolongadas tomas fijas.
Fundidos a negro para pasar de un momento a otro, y en esos fundidos la utilización de la voz en off, dando indicios con el sonido de lo que podría pasar, y cuando vuelve se ve la acción terminada, así como en Dead Man, se escucha un disparo mientras dos sicarios hablan, cuando vuelve la imagen uno de ellos se esta comiendo a su compañero-



Crea una desorientación que a través del uso del blanco y negro, que tiene su sentido narrativo: no importan donde vayan, para los personajes del filme todo parece lo mismo, ya sea en el invierno de Cleveland o en las paradisíacas playas de Florida; su desarraigo y su inconsistente vida no se alivian por ir de un lugar a otro.



                                             
COFFE & CIGARRETTES


Sus películas parecen en ocasiones pura improvisación.
La intención de mostrar la realidad sin adornos lo llevan a una puesta en escena minimalista.
En Coffe & Cigarrettes, cuenta varias historias basadas en la compañía del café y los cigarrillos, en la cual repite sin cesar los mismos planos, PG para situarnos, PM de un personaje, Contra plano del otro personaje, y una vista con la cámara desde arriba, mostrando la mesa, las tazas de café, la caja de cigarros el cenicero lleno de colillas.

Utiliza música incidental, compuesta para la película, en algunos casos, en otras de sus obras utiliza música dietética y extradiegética, a la cual le da mucha importancia en todas sus peliculas. Una de las partes mas importantes para Jarmusch donde se nota que pone gran empeño, en seguir los relatos.





Jarmusch junto con Johnny Depp y Joy Ramone

“Si los Ramones no hubieran existido, probablemente no hubiera filmado ninguna película”